Música

7 bandas que abrieron el camino para los grupos conformados por puras mujeres

Bandas como Go-Go's, Bangles y Runaways reconocen hoy la influencia de estas agrupaciones que fueron obviadas por los grandes medios de comunicación y objeto de burlas de artistas como John Lennon. Te invitamos a conocer la historia de siete iniciativas que abrieron el difícil camino de hacer rock en una industria manejada históricamente por los hombres

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Ni los mismos historiadores se han puesto de acuerdo. Es muy difícil aseverar cuál fue la primera banda integrada solo por mujeres. Pero sí hay unanimidad sobre qué nombre no debería faltar en una lista de las pioneras en el rock and roll: Goldie & the Gingerbreads (1962-1967).

La  agrupación estadounidense estaba conformada por Ginger Bianco (batería), Margo Lewis (órgano), Carol MacDonald (Guitarrista y vocalista) y Genya «Goldie» Zelkowitz (líder, saxofón y tamborín). Decidieron prescindir del bajo, adelantándose así a The Doors. 

Según la revista Rolling Stone, abrieron espectáculos para Chubby Checker, Rolling Stones, Kinks, Yardbirds y otras bandas. En lo que sí fueron primeras fue en firmar con una empresa clave en aquellos tiempos, Atlantic Records, y específicamente por el fundador de esta empresa , Ahmet Ertegun, en 1964.

Se especula que la fuerte personalidad de Genya «Goldie» Zelkowitz (luego se cambiaría el nombre a Genya Ravan), tuvo que ver con la disolución temprana de la banda. Otros creen que las bajas ventas de los trabajos discográficos fue el principio del fin. Como sea, en 2011, Goldie and The Gingerbreads fueron reconocidas por el Salón de la Fama del Rock and Roll como parte de la exhibición «Mujeres que rockean: visión, pasión, poder».

Si quieres saber más sobre la banda y su líder, Rolling Stone entrevistó el año pasado a «Goldie», quien hoy tiene 82 años y sigue activa en el mundo del rock como entrevistadora, locutora y productora.

The Pleasure Seekers con Suzi Quatro

Si alguna vez te has puesto una chaqueta de cuero negra y te has sentido muy rockera, probablemente se lo debas, sin saber, a Suzi Quatro, la líder de The Pleasure Seekers, una banda estadounidense que grabó con Hidebout Records en 1964 y Mercury Records en 1968. A la vocalista se le conoce como pionera del Garage rock.

La historia de The Pleasure Seekers con Suzi Quatro es un gran ejemplo del machismo que reinaba en la industria (y de la que aún quedan resabios). Ni la prensa ni las revistas especializadas como Rolling Stone se interesaron por esta banda, que estaba conformada principalmente por las hermanas Quatro (aunque muchos nombres entraron y salieron mientras duró la agrupación).

Al mismo tiempo sufrían las consecuencias de la censura en la televisión. Había un acuerdo tácito: se boicoteaban los proyectos de mujeres que «hacían cosas de hombres». Estaba bien si una chica cantaba con otros chicos o una vocalista se destacaba con una balada, pero si era un rock fuera de los estándares, no.

La banda cayó en el olvido y las hermanas, Suzi y Patti, el cerebro detrás de la agrupación, emprendieron proyectos individuales. La primera se hizo un nombre en Europa. Cuenta la leyenda que el productor Mickie Most, tras conocerla, le dijo: «Si te quedas en Estados Unidos serás la nueva Janis Joplin, pero si te vas a Europa serás la primera Suzi Quatro”.

Y así fue. El álbum que marcó el debut, Suzi Quatro, fue muy bien recibido en el viejo continente y Australia, especialmente por el primer sencillo, Can the can – pero, no hay sorpresa aquí- fue ignorado en Estados Unidos. La cantante terminaría siendo más conocida por su papel de Leather Tuscadero en el programa de televisión «Happy Days».

No obstante, tras la reedición de algunos temas y discos, a partir de 2010, Suzi y sus hermanas empezaron a ser reivindicadas en la historia de la música rock. En 2011, Suzi fue incluida en el Salón de la Fama de las Leyendas del Rock and Roll de Michigan y en 2012, las Quatro ingresaron all Salón de la Fama de Detroit.

En 2016, Suzi recibió un doctorado honoris causa en música de la Universidad Anglia Ruskin, Cambridge, Reino Unido y en 2020, recibió el premio Icon Award de Women’s International Music Network

Si quieres saber más de esta banda y de Suzi, en 2019 se estrenó en Australia «Suzi Q», un documental sobre la vida de la cantante. 

Dara Puspita

En 2017, un anuncio en Facebook puso a muchos fanáticos del rock a brincar en una pata: la icónica banda de Indonesia, Dara Puspita (Flower Girls en inglés), volvía a los estudios de grabación. Mucha agua había corrido desde que aparecieron como una tromba en 1964.

Al principio se hacían llamar Nirma Puspita y comenzaron como casi todos los grupos integrados solo por mujeres: abriéndole espectáculos a los hombres, hasta que  decidieron hacerse un nombre de la industria, contactando al líder de la banda de garage Koes Bersaudara, Tony Koeswoyo, a quien conocieron previamente en Surabaya.

Ya como Dara Puspita, y con el grupo consolidado por Titiek AR (guitarra principal y voz), Lies AR (guitarra rítmica y voz), Susy Nander (batería) y Titiek Hamzah (bajo y voz), consiguieron que los temas «Surabaja», «Burung Kakaktua» y «Tanah Airku» fueran conocidos fuera de sus fronteras.

La historia de esta agrupación es la historia de una verdadera lucha por todos los costados. La música anglosajona estaba prohibida por el régimen de Kusno Sosrodihardjo (1901-1970), mejor conocido como Sukarno, político, nacionalista, primer presidente de la República de Indonesia (1945-1967) tras su independencia.

Un rumor decía que Surkano veía a la música de los Beatles como el producto de una «enfermedad mental» y por eso prohibió el rock. De hecho, la agrupación Koes Bersaudara estuvo en prisión tres meses por tocar una versión de I Saw Her Standing There, que derivó en ciertos disturbios. 

Y en Dara Puspita, era obvia esa herencia británica. Por ejemplo, el tema Mari Mari comienza con el riff de Satisfaction (I can’t get no). De manera que se establecieron en Bangkok, Tailandia, donde conocieron muchos contactos que les ayudarían a crecer musicalmente y viajar a Londres, para dar a conocer su música. 

La banda giró por Europa, por casi tres años, hasta diciembre de 1971. Todo un logro para la época. Se presentaron en Alemania Occidental, Hungría, Inglaterra, Francia, Bélgica, los Países Bajos y España. Ellas no solo tocaban varios instrumentos, también componían sus letras y trabajaban los arreglos.

Dara Puspita publicó 7 discos. En 1965, Jang Pertama; en 1966, Dara Puspita aka Edisi 2 aka Special Edition; en 1967, Green Green Grass, en 1968, A Go Go, en 1971, Tabah dan cobalah; en 1973, Dara Puspita Min Plus; en 1974, Pop Melayu Volume 1. Lamentablemente no consiguieron ingresar en las listas de los mejores LP’s y las ventas no ayudaron a la consolidación de la agrupación, pero son toda una institución en su país y se les reconoce como verdaderas revolucionarias en una industria dominada por los hombres.

Aprovecho para que se conozca la brillante versión que hacen de To Love Somebody, original de Bee Gees.

The Feminine Complex

Hay bandas a las que le basta sacar un solo álbum para convertirse en una obsesión. Ese es el caso de The Feminine Complex, el primer fichaje para el naciente sello estadounidense Anthena Records, en 1968.

Un solo trabajo editó la banda: Livin ‘Love, ganando de inmediato la aprobación de un selecto grupo de melómanos que se sorprendieron al saber que cuando se publicó el disco, ya la banda se había desintegrado. ¿Qué pasó? Vamos por partes

En 1966, la cantante y bajista Jean Williams y la baterista Lana Napier cursaban segundo año en el Maplewood High School de Nashville, Tennesse, cuando decidieron crear un grupo de rock llamado The Pivots, un nombre que sugirió el coach de baloncesto. Luego, para el concurso de talentos de la escuela, sumaron a la vocalista y guitarrista Mindy Dalton, a la chica de la pandereta Judi Griffith y a la organista Pame Stephens.

Convertidas en un quinteto, decidieron cambiar de nombre. En una reunión creativa saltaron dos conceptos al mismo tiempo: «Feminine» y «Complex». Y así quedó. Se presentaban en Skateland, el lugar de reunión de adolescentes de verano más popular de Nashville. Así fue como el nombre de la banda y sus sencillos se hicieron populares.

Sin embargo, Stephens abandonó la música para ir a la universidad y tanto Williams como Napier renunciaron poco después. Dalton y Griffith intentaron seguir como dúo, pero a fines de 1969 la banda ya no existía.

En 1996, el sello indie de moda TeenBeat reeditó Livin’ Love, y un año después una colección de rarezas (temas conseguidos en diferentes toques) llamada To Be in Love. Dado que solo publicaron un trabajo, se ha creado una leyenda que dice que esta agrupación nunca existió. Y que los temas son «un montaje» de estudio, un truco publicitario. 

Como sea, lo extraordinario de Feminine Complex es que sus canciones no pueden ser encasilladas en un género. Al sol de hoy cada tema luce diferente al otro y para la época había cierto toque «oscuro» en sus interpretaciones, que por eso han perdurado hasta el presente. 

Fanny

Si David Bowie asegura que «era una de las mejores jodidas bandas de rock de su tiempo”, es porque debes detenerte a escucharlas con atención. De hecho, la carrera de la agrupación comenzó con buen augurio: Deep Purple no pudo llegar a un toque en Ohio y ellas, unas desconocidas, se pararon allí, sin miedo, frente a un público que esperaba a la legendaria banda. Lo hicieron tan bien que nadie dejó su puesto a pesar de la ausencia de la atracción principal.

Lamentablemente, Fanny nació en los inicios de 1970 y en aquel tiempo el mayor cumplido que podías tener en Estados Unidos era «no está mal para ser una banda de mujeres». El mismo Bowie señaló: «Fueron extraordinarias: escribieron todo, fueron simplemente colosales y maravillosas, y nadie las mencionó. Son tan importantes como cualquier otra persona que lo haya sido alguna vez; simplemente no era su momento”.

Para comprender qué tan buenas eran en sus inicios solo basta decir que fue la primera banda de solo mujeres que firmó con una empresa de gran nombre y proyección internacional: Warner Bros. En total, grabaron cinco álbumes y otro en vivo. Dos sencillos escalaron en el Top 40 en el Billboard Hot 100.

Esta agrupación comenzó como un proyecto de las hermanas Millington, June (guitarra y voz) y Jean (bajo y voz), dos filipino-estadounidenses que se juntaron con otras adolescentes para hacer música: Nickey Barclay (teclados y voz) y Alice de Buhr (batería y voz). Luego de sumaron otras chicas, pero esa era la base original.

Los álbumes fueron aclamados por la crítica y llegaron a presentarse con bandas famosas como Slade y Chicago, pero el sexismo, homofobia y racismo impidieron que brillaran como debían. Incluso aún su lugar en la historia del rock universal continúa en revisión y en evolución, a pesar de que 50 años después regresaron como se puede ver en el documental del director Bobbi Jo Hart («Rebels on» «Pointe», «Frameline41»).

Seguramente te estarás preguntando por el nombre. Fanny tiene otro significado fuera de Estados Unidos: es la vagina, según el diccionario de Cambridge. Y la leyenda dice que fue sugerido por el beatle George Harrison.

El sonido de Fanny es completamente salvaje. No hay otra manera de definirlo. ​ Grupos como Go-Go’s, Bangles y Runaways aseguran que la mayor influencia musical que tuvieron provino de esta banda, pionera en rechazar las expectativas de las mujeres en la industria del rock (vestimenta, look, etc.), para enfatizar sus habilidades musicales. Se separaron oficialmente en 1975. 

The Liverbirds

Querer hacer música en Liverpool, Inglaterra, cuando los Beatles eran unos dioses, fue una de las grandes trabas que enfrentó The Liverbirds. De hecho, aseguran que John Lennon dijo después de verlas en el famoso club Cavern, «¿Chicas con guitarras? Eso no funcionará». Pero funcionó, claro que funcionó. 

Hoy la crítica le da la razón a quienes dicen que la banda sonaba tan genial como The Kinks, The Rolling Stones y los propios Beatles. Sin embargo, el sexismo en los años 60, que querían a las mujeres en el lado del público, gritando, en lugar de la tarima, influyó en que la agrupación se separara cuando la mayoría de las integrantes estaba en sus veintes. 

La formación original de 1963 era la siguiente: Valerie Gell (guitarra), Mary McGlory (bajo), Sheila McGlory (guitarra), Sylvia Saunders (batería) e Irene Green (voz). El nombre de la banda se tomó del pájaro ficticio que simboliza la ciudad de Liverpool y que encajaba con «birds», como se le decía popularmente a las niñas en el lenguaje de la época.

A pesar de los prejuicios, fueron contratadas para una gira con los Rolling Stones, Kinks y Rockin’ Berries. Sin embargo, rápidamente se dieron cuenta de que los contratos estaban muy por debajo de lo que cobraban los hombres y un gran porcentaje terminaba en los bolsillos de los representantes y agentes. Como consecuencia, Ia voz principal y la guitarrista prefirieron irse a otras bandas. Se sumó entonces al proyecto Pamela Birch. 

Apenas grabaron dos álbumes,  Star-Club Show 4, en 1965 y ​More of the Liverbirds, en 1966​. Cuatro sencillos consiguieron muy buena radiodifusión: Shop Around (1964), Diddley Daddy (1965), Peanut Butter (1965) y Loop de Loop (1966).

La banda encontró en Alemania el amor que no le prodigó su país natal. En este país se radicaron y fue allí donde Diddley’s Daddy, una versión de Bo Diddley, ascendió hasta el quinto lugar de lo más escuchado en las radios. Tuvieron que cargar con el mote de «la versión femenina de los Beatles». Aún así, se convirtieron en un grupo legendario, por sus toques en el  Star-Club germano y llegaron a dar conciertos hasta en Japón.

Tras separarse rápidamente para dedicarse a la familia, en 1998 tocaron por última vez. Lamentablemente, Birch que se estableció en Alemania, murió en 2009 y Gell, que hizo lo mismo, en 2016. Pero la historia de esta agrupación fue reivindicada en el musical de 2019 «Girls Don’t Play Guitars» («Las chicas no tocan la guitarra»), escrito por Ian Salmon y dirigido por Bob Eaton, que se representó en el Teatro Real de Liverpool.

Las fundadoras del grupo, Sylvia y Mary, se involucraron en la producción del espectáculo y aparecen en el escenario como parte del show.

Ace of Cups

En 2018, Ace of Cups anunció su segundo álbum de estudio. Leído así, la noticia no parece extraordinaria. Sin embargo, para una banda que debutó en 1967, sí. Formada en San Francisco, hija de los tiempos de amor, paz y psicodelia, Mary Gannon (bajo), Marla Hunt (órgano, piano), Denise Kaufman (guitarra, armónica), Mary Ellen Simpson (guitarra principal) y Diane Vitalich (batería), llevaron al extremo el lema de una para todas y todas para una. Salvo la baterista, todas cantaban y se apoyaban en los coros. Y las letras y arreglos se hacían en colaboración.

Un detalle habla de las intenciones de esta banda: Kaufman fue arrestada durante el Movimiento por la Libertad de Expresión en Berkeley, y estaba involucrada con Ken Kesey y los Merry Pranksters (quienes la apodaron «Mary Microgram»). A estos últimos se les considera los prehippies. En un auto colorido viajaban por Estados Unidos, repartiendo LSD y viviendo en comunidad.

Para hacer la historia más interesante. El mánager de la banda, Ambrose Hollingwort, era astrólogo y fue quien sugirió el nombre en honor a la carta del tarot As de Copas. En la imagen de la carta se ven cinco chorros de agua. Para el representante, esos chorros eran las artistas que debían «ir con la corriente» para ver a dónde las llevaba la música. Pero esto es solo el comienzo de una historia fascinante.

La banda hace su debut de la mano nada más y nada menos que Jimi Hendrix, en un concierto gratuito en el Golden Gate Park. El guitarrista dijo sobre ellas: «Escuché algunos sonidos maravillosos la última vez en los Estados Unidos, como este grupo de chicas, Ace of Cups, que escriben sus propias canciones y la guitarrista principal es un infierno, realmente genial».

Aparecieron en un programa de televisión local, West Pole, junto con las leyendas de San Francisco Jefferson Airplane y Grateful Dead. Y llegaron a abrir conciertos de The Band. Pero a pesar de todo esto, Ace of Cups nunca grabó un álbum de estudio de manera intencional. Si bien tocaban en clubes y conciertos, aconsejados por sus mánagers, no firmaron contratos con disqueras debido a que podía limitar la creatividad de las artistas y exigirles una agenda que no estaban dispuestas a cumplir.

Así las cosas, en 1970, el concepto de solo mujeres se quiebra. Comercialmente la banda no daba frutos, algunas integrantes estaban interesadas en proyectos diferentes y otras no encontraban la manera de equilibrar la maternidad y Show business. Así que hombres fueron supliendo a quienes abandonaban el barco y definitivamente en 1972 dejó de existir este proyecto.

Sin embargo, en 2011 se reunieron para festejar el 75 aniversario del activista por la paz, Wavy Gravy y en beneficio de la Fundación SEVA, una iniciativa médica y humanitaria. Entre los asistentes, estaba George Baer Wallace, fundador de High Moon Records. Conmovido por la actuación, les ofreció grabar su primer álbum de estudio.

En 2018 sale al mercado Ace of Cups, el primer trabajo de la banda, 51 años después de su debut. Y en 2020, Sing Your Dreams, se hacía justicia a una agrupación que fue pionera en el movimiento psicodélico.

Por supuesto que esta lista es pequeña. Muchas agrupaciones de solo chicas fueron ignoradas antes de los años 60 y después. El machismo, sexismo y misoginia de la industria del rock and roll no difiere del día a día que han enfrentado las mujeres. Pero es una buena representación de todas las dificultades que tuvieron que pasar las pioneras del género para que otras pudieran dar un paso adelante.

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